A rococo painter: Francois Boucher and Madame de Pompadour

The rococo style first appeared in France at the end of the reign of Luis XIV (1715) and had its splendour until the year 1770: it involved mostly the decoration of private residences, characterised by an irregular rhythm, by an exuberant and animated style that brings nature indoors, with fountain imagery, rampant sprays of foliage and flowers, swirling scrolls and asymmetry.

François Boucher has been called “the Grace Painter”: his father was an artist and he had the first training in his workshop, but later he left and continued his formation with the painter Lemayne from the year 1720: his chromatic sensitivity was near the one of Watteau, with references to the Italian masters from Venice (Rosalba Carriera, Sebastiano Ricci, etc.). Boucher stayed there only few months, but his fluent and vibrant brush and the use of light and bright colours were influenced by his master. He was also an engraver, he created title-page drawings and decorations for headed papers, and he became artistic director in charge of the design at the Gobelins tapestry factory in 1755. The painter made such a good impression on Jean de Julienne, who included Boucher in realising the print edition of Watteau’s works (the first volume was published in 1726 with 55 illustrations).

Boucher went to Italy in 1728, his impact with Albani, Domenichino, Pietro da Cortona and Tiepolo was intense, when he came back to France his series of canvases for Derbas was the right occasion to be known: he painted as subjects the loves of Gods, composing the scenes on diagonal asses and gave his characters emphatic gestures. The canvases have noble structure but he had a preference for an anti-heroic solution, using light colours, sublime characters and situations that came from the theatre. His success was instant.

In 1731 Boucher entered in the Académie des Beaux Arts of Paris (founded in 1648) as history painter and he was consecrated as professor in 1735; he became Premier Peintre in 1765. His first royal commission were four grisailles with virtues’ allegories, realised for the Queen’s room in the same year, and in no time he was asked to decorate many royal or noble houses. Between 1735 and 1738 he worked in Versailles not only in the Queen’s room, but also in the King’s and Dauphin’s apartments.

Boucher had a close relationship with one of the most famous women in history, Madame de Pompadour (Jeanne Antoinette Poisson, 1721-1764): mistress of Louis XV and most powerful woman in the XVIII century, Madame de Pompadour favoured the entrance of Boucher and Voltaire at court, she was their patron until her death. Boucher taught her the art of drawing and etching and he was charged to coordinate the decoration of the Chateau de  Bellevue, gift from the king in 1748. He worked together with other famous artists as Adam, Falconet, Pigalle, Van Loo and Oudry. In 1752 Madame de Pompadour had realised by the Gobelins factory some tapestries based on Boucher’s paintings with scenes taken from Ovid’s Metamorphoses, and all of them were supposed to be hung in the Chateau de Bellevue.  The Setting of the Sun (oil on canvas, Wallace Collection, 1752) sees Apollo welcomed by the nymph Tethys at the end of the day, and of course Madame was represented by the nymph, because she too used to welcome king Luis XV at nights after a day of hard work. Its twin, the Rising of the Sun (oil on canvas, Wallace Collection, 1753), was made the year after and was fiercely criticised at the Salon because of its excessive nudity.

Boucher made a lot of portraits of Madame, the one conserved in Munich (oil on canvas, Alte Pinakothek, 1756) was also exposed at the Salon, and let us see her nature and her high social standing. The objects are combined casually, because rococo style wants a similarity with the nature, and disorder was at that time an aesthetic category, like nature. Another portrait of Madame de Pompadour, that can be seen in London (oil on canvas, Wallace Collection, 1759), represents Madame in the park of the Bellevue Castle, lent against the basement of a statue by Pigalle with her spaniel Inés. At that time her relationship with the king was platonic, and this painting is a big metaphor for this status: Pigalle’s statue represents Friendship consoling Love, the close fan is a symbol of friendship and the dog means fidelity – Madame his faithful to the king as her spaniel is to her.

When she died in 1765 Boucher passed under her brother’s protection, but after the painter’s death he was completely forgotten. After 1770 there was a complete censure about the rococo movement, because of its values and as reaction to the debate against luxury. Diderot recognised Boucher’s talent, but he didn’t forgive him “the absence of truth” and he thought that all these painters were a wrong example.

If you like the Rococo and its painters, don’t miss in London the Wallace Collection: it’s a little jewel, that has to be seen.

Bibliography:

O. Rossi Pinelli, Il secolo della ragione e delle rivoluzioni. La cultura visiva nel Settecento europeo , UTET, Torino 2000

O. Rossi Pinelli, Boucher, Art-Dossier, Giunti Editore, n.121, March 1997

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The art of drawing: from the XIII to the early XV centuries.

Drawings in the XIII century were mostly linear signs: miniaturists and calligraphers delimited the surfaces they intended to cover with colours and sometimes these miniatures were left unfinished, or just refined with ink (bistro) for a more artistic effect. Their purpose was to delimit the space of the illustration, rarely it was intended as fast note of an idea. Before the XII century it’s really difficult to recognize the region or the stylistic school, the production was held in the monasteries and drawings were collected only from the XVI century (Giorgio Vasari was one of the first drawings’ collector after the Renaissance) because at that time men started having the consciousness of their aesthetic, educational and documentary value. Just few sheets survived from that time, but we have a lot of sources (Cennino Cennini, Vasari, and Lorenzo Ghiberti) that say how already Giotto or the Lorenzetti used to draw.

Sinopia can be considered the ancestor of the modern drawing: the artist sketched his idea with this reddish-brown colour pigment (from the Turkish city Sinop) on the wall to realise his fresco. The sinopias were characterised by spontaneity, invention, rapidity of stroke, expressive freedom and they weren’t meant to be seen by public. The spontaneity that normally characterises these drawings was usually lost in the final work, because this last one was realised by the workshop.

In the XV century the generation of artists like Paolo Uccello (1397-1475), Filippo Lippi (1406-1469) and Benozzo Gozzoli (1420-1497) abandoned the sinopias and started preparing their work in the workshop with drawings: the artists created a sketch, and then they reported it on a full-scale cartoon for the fresco. These cartoons were made by thick paper and the drawing was copied on the wall by pressing a stylus on the outlines; there was also another technique, called “spolvero”: here the paper used was thinner, the artist made many little holes on the outlines, put the sheet on the wall and went over them with coal dust.

Cennino Cennini in his “Libro dell’arte” (XV century) said that artists started their apprenticeship drawing for one year with pen on bambagina paper sheets. Drawings were made with silverpoint on prepared (with pink, green, light blue, etc., colours) bambagina or pecorina (from sheep- or goat-skins) paper, then gone over with pen and illuminated with white lead.

In Lombardy a little before the second half of the XIV century existed different miniatures’ ateliers, open to the figurative culture coming from France: they were influenced by poems of chivalry and chansons de geste:  some not finished examples show breeziness and vivacity of stroke. In Milan around 1330-1340 drawings had already an independent value, the impulse to this genre was given by the construction of the Dome under the Visconti family in 1386. In the entire region this kind of works were developing: in the Library of Pavia exist codex with miniatures from the second half of the 1300 that are called “ouvraige de Lombardie”, characterised with an exquisite creative flair and gothic stylistic innovations. In the workshop there were some books of models already from the XI century, they were notebook realised to hand down to the workshop iconographic or typological forms. At the Civic Library of Bergamo it is kept the Notebook of Giovannino de’ Grassi (ca 1350-1398), architect and sculptor in the Dome of Milan and miniaturist in Pavia: the notebook counts 31 pages on parchment paper with conventional models of domestic animals, plants, etc., made with a refined taste, some of them made by pen or by bistro given with a brush. His Two women with Harp (watercolour and pen on paper, Civic Library of Bergamo) shows an exquisite soft hand, a glimpse on the refined court life. It was not unusual that in different workshops were used similar pattern or types because these notebooks had a wide circulation.

Pisanello (1395-1455) in his drawings used a soft chiaroscuro that came from Gentile da 
Fabriano (ca 1375-1427), whom he met in Venice at the Ducal Palace around the years 1415-1422. In his amazing drawings (around one hundred among sketches and drawings) we see for the first time that he draw from life, that he was linked to the Lombard tradition and to the one from Verona; his drawings are fluid, he investigated the nature, he renovated the technique with new chromatic effects made by minute pen strokes with sepia and black ink, the line drawing let show the paper, shaded with the black pencil. A polished chisel and silverpoint on not prepared parchment paper and soft effects of oblique light announced his medals production. From the large and open strokes used in the period of Sant’Anastasia (church in Verona where he created the famous frescoes with “St. George and the princess” in 1433-1438) he passed then to some more curled and closed pictorial effects. It’s hard to establish a chronology for his drawings because they are without references, but in the sketches with a fast, elegant and moved stroke he was fixing some ideas for his paintings and medals, they were created with a precise purpose. From the 1430s, when he came back from his travel to Rome, we can find some chronological traces. His Hanged Men and two figures (pencil and pen on paper, 1434-1438, British Museum) shows analytic acumen, but probably the drawing was went over with a pen on the disappeared original trace made by pencil.

BIBLIOGRAPHY
M. FOSSI TODOROW, L’italia dalle Origini a Pisanello, Fabbri, Milan 1970
A.M. PETRIOLI TOFANI, Il disegno fiorentino del tempo di Lorenzo il Magnifico, Cataloghi Laurenziani, Firenze 1992
About the Hanged men and two figures: see the web page of the British Museum (http://www.britishmuseum.org/research/search_the_collection_database/search_object_details.aspx?objectId=717406&partId=1)
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New Country, new life

Sofonisba changed country and language: now she lives London, but her love for Italian art will never die!

London is a beautiful city that just waits to be discovered. But of course in her first times here she already visited some of the most amazing museums in town: the National Gallery (her favourite so far), the British Museum (how exciting was seeing the Parthenon’s sculpture alive for the first time!), the V&A museum, the Tate Britain and the Tate Modern.  And she is just at the beginning…

“The true work of art is but a shadow of the divine perfection” – Michelangelo

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Henri de Toulouse-Lautrec, parte I: arte e sregolatezza

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa nacque il 24 novembre 1864, figlio del conte Alphonse. Passò la prima giovinezza ad Albi per poi spostarsi insieme alla famiglia a Parigi nel 1870, dimostrando fin da giovane un grande talento artistico (le prime opere ad olio risalgono al 1875) e traendo la sua ispirazione dall’ambiente aristocratico che lo circonda. Cagionevole di salute, a causa di due fratture ad entrambe le gambe mai risanate non si sviluppò in altezza, fermandosi a 1,52 m. Proprio per queste sue condizioni particolari, la madre ne assecondò l’inclinazione artistica e nel 1878 ricevette la sua prima formazione pittorica da Renè Princeteau, pittore di animali sordomuto, amico di caccia del padre Alphonse. Il signor conte era anche lui un personaggio eccentrico, che trasmise al figlio la passione per il circo e per la caccia, soggetti che caratterizzano le prime opere di Henri. Il maestro gli fece conoscere i quadri di Delacroix, il cui interesse per il movimento e per la varietà cromatica si può rivedere nel ritratto del Conte Alphonse in costume da falconiere (1881, olio su tavola, Albi, Musée Toulouse-Lautrec): colori intensi, ampie pennellate e un effetto da istantanea caratterizzeranno anche in parte la produzione futura, qui ancora in chiave sperimentale.

Non frequentò mai l’accademia, il suo apprendistato avvenne sempre in atelier, dapprima come si è visto da René, per poi passare nel 1882 sotto Léon Bonnat e poi da Fernand Cormon a Parigi. La Ville Lumière era una fonte d’ispirazione continua, Toulouse-Lautrec era affascinato dalla vita notturna, che comincia a fare la sua comparsa nei disegni. Lo studio del movimento e del colore si affianca alla scoperta della nuova pittura di Cézanne e di Degas, che fecero una grande impressione sul pittore, conosciuti tramite il compagno di studi Emile Bernard. Nell’atelier di Cormon conobbe di persona anche Vincent Van Gogh nel 1884, del quale eseguì il celebre Ritratto (1887, pastello, Amsterdam, Stedelijk Museum): grande capacità di penetrazione nel soggetto, semplicità e resa immediata caratterizzano questa opera. Tre anni più tardi Toulouse-Lautrec gli consigliò di proseguire la sua ricerca sul paesaggio e sulla luce nella Francia del sud, suggerimento che Van Gogh colse immediatamente. Nel 1889 diventò amico pure del fratello Théo, che gli acquistò numerose opere.

Gusto per la maschera e spirito umoristico e satirico, grazie ai coniugi Grenier fu introdotto alla vita parigina, il teatro divenne una delle sue prime fonti d’ispirazione, così come Degas più che dallo spettacolo in scena il suo interesse era catturato dall’elettricità delle prove. La sua prima mostra fu nel 1885 a Pau, nella Francia meridionale, mentre nel 1888 partecipò all’esposizione del Gruppo dei Venti a Bruxelles, dove fu possibile notare la sua ricerca di forme nuove e un uso del colore ad olio molto diluito per ottenere effetti cromatici vibranti, simili all’acquerello.

All’epoca Montmartre era il quartiere dei divertimenti per eccellenza, ambiente che Toulouse-Lautrec frequentò con assiduità e nel quale si fece molte amicizie. Presenza fissa a Le Mirliton, al Moulin Rouge e al Moulin de la Galette, dove il divertimento era ai limiti della legalità. Aristide Bruant, padrone del primo locale, gli espose per la prima volta un’opera nel suo cabaret, La quadriglia della sedia Luigi XIII. Libero dai vincoli imposti dal suo ceto, si considerava interprete e cronista del demi-monde. Grande interesse per il contrasto tra ballerini e pubblico, novità ed efficacia pittorica per l’immediatezza dell’episodio di vita notturna, fanno del Ballo al Moulin Rouge(1889/1890, olio su tela, Philadelphia, Museum of Arts) una delle sue opere più importanti.

I suoi ritratti seguono due tipologie: il soggetto in posa o l’istantanea, ma entrambi i tipi rappresentano il modello così com’è. In Cipria (1888/1889, olio su cartone, Amsterdam, Stedelijk Museum), è ritratta la pittrice Suzanne Valadon:  i diversi toni di bianco e la superficie granulosa del dipinto traducono nel linguaggio pittorico la consistenza e il colore della cipria, rendendo perfettamente l’atmosfera intima, ma anche la serietà e la tensione che ormai caratterizzava il loro rapporto. Gossip dell’epoca vogliono che la pittrice, amica anche di Degas e di Renoir, tentò il suicidio nella speranza di riprendere la relazione con Toulouse-Lautrec e di strappargli una promessa di matrimonio.

Particolare anche il suo uso di mezzi diversi per una singola opera, come ne Il giorno della prima comunione (1888, olio e carboncino su cartone, Tolosa, Musée des Augustins), dove l’economia di mezzi permette una rappresentazione molto libera e vivace, nella quale le linee e i tratteggi racchiudono l’essenza della scena. La traduzione dei suoi schizzi a matita e carboncino su tela con l’uso di colori ad olio molto diluiti gli permettevano di fissare velocemente impressioni e movimenti.

Aumentò gli effetti ottici dello scorcio tipici di Degas e potenziò la composizione verticale, aumentando la bidimensionalità del soggetto raffigurato. Ne La toeletta (1896, olio su cartone, Parigi, Musée d’Orsay) le affinità con il grande impressionista sono molto evidenti, a partire dall’anonimato, dall’effetto della luce sulla pelle, dal taglio fotografico, dai colori vivi e dai contrasti di luce e ombra molto netti. Da un’iniziale stima i due pittori però passarono ben presto ad una rivalità aperta, alimentata principalmente da Degas.

Dal 1893 grande attenzione al teatro e all’operetta perché appagava il suo desiderio di osservare al meglio le persone. Dipinse anche la grande Sarah Bernhardt nel ruolo di Fedra nell’opera di Racine, ruolo che segnò l’inizio del suo culto. Nell’ultimo periodo la salute di Toulouse-Lautrec continuò a peggiorare, non solo perché aggravata dal consumo di alcol ed assenzio, ma anche a causa della sifilide, tuttavia la sua attività fu sempre frenetica. Continuò a dipingere scene colte al Moulin Rouge ma la sua scelta fu rivolta verso più piccoli formati che permettevano di cogliere in maniera più precisa i volti dei frequentatori, per la maggior parte uomini e stranieri. Una serie molto particolare fu dedicata alle case chiuse e per lavorare indisturbato passò nel 1893 alcuni mesi nel bordello di rue d’Amboise, che portò all’albo Elles, serie pensata come omaggio al sesso femminile privo di critica sociale ma nella quale si può notare l’umanità e la sua immedesimazione. (Nella “sala” di Rue des Moulins, 1894, olio su tela, Albi, Musée Toulouse-Lautrec)

Nel 1898 una sua personale fu allestita a Londra da Goupil con 78 sue opere, apice della sua carriera benché non ebbe un grandissimo successo commerciale. In questi ultimi anni però la sua creatività purtroppo risente dello stile di vita sregolato, al quale si unirono pure manie di persecuzione che lo porteranno all’isolamento. Dopo il ricovero nella clinica di Nevilly la gravità del suo stato fu evidente a tutti. Nell’inverno 1900/1901 si ritirò dalla madre e morì il 9 settembre 1901 nel castello di Malromé.

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Treasures from Budapest: European Masterpieces from Leonardo to Schiele

Se siete a Londra in questo periodo e vi state gustando l’atmosfera già pre-natalizia, sappiate che fino al 12 dicembre 2010 è aperta presso la Royal Academy of Arts una mostra splendida: “Tesori da Budapest. Capolavori europei da Leonardo a Schiele“. Le opere provengono dal Museo di Belle Arti di Budapest, formatosi dal confluire di collezioni private, delle quali la principale è costituita da quella degli aristocratici Esterhazy. Le dodici sale sono allestite secondo classi di dipinti: dalle opere d’arte ungheresi, dove confluiscono spunti e ricordi dell’arte dell’impero ottomano e asburgico, che non solo dominarono politicamente l’Ungheria ma la influenzarono molto anche sotto il punto di vista artistico, alle opere d’arte sacra pre e post Riforma, dove è possibile notare la predilezione per gli artisti italiani, che i vari esponenti dell’aristocrazia ungherese conobbero lungo il percorso del Grand Tour. La “Cena ad Emmaus” del Tintoretto, il “Cristo morto con due angeli” dell’Allori o la celeberrima “Madonna Esterhazy” di Raffaello sono solo alcuni dei capolavori visibili alla mostra londinese, insieme a soggetti sacri di El Greco ed altre pale d’altare provenienti in gran parte da Italia e Spagna. Le altre sale sono dedicate ai soggetti storici e mitologici, ai ritratti, alle nature morte e scene di genere, ai paesaggi e ad una splendida raccolta di disegni (anche qui non a caso in gran parte provenienti dalla scuola italiana), fra i quali spiccano gli studi preparatori di Leonardo da Vinci per la “Battaglia di Anghiari“. Molto interessanti anche le ultime due sale dedicate all’arte contemporanea ungherese ed europea del XIX-XX secolo, dove si possono ammirare tra gli altri le opere degli Impressionisti, di Schiele e di Picasso.

Royal Academy of Arts, Burlington House, Piccadilly Street, London. Metro: Green Park/Piccadilly Circus. Ticket: £12. Open until 12/12/2010

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Frida Kahlo y su mundo a Bruxelles

Se qualcuno ha in programma un viaggio a Bruxelles, non può perdersi la mostra al BOZAR dedicata a Frida Kahlo y su mundo.

Frida è una pittrice di una forza impressionante, le sue opere nella maggioranza dei casi sono autobiografiche ma è proprio questo che le rende così affascinanti. Visitare la mostra è come sentire il suo grido disperato, il suo dolore visibile sulla tela tramite un mondo di immagini tanto fantastiche quanto realistiche.
L´esposizione poi focalizza l´attenzione del visitatore sulle opere stesse, ci si muove in un´atmosfera buia che permette di cogliere in pieno il fascino delle tele.
L´unica nota a sfavore è la disposizione, che in un ambiente non particolarmente grande rende difficoltoso seguire l` ordine voluto dal curatore.. Ma questo è solo un piccolo neo e non diminuisce il valore di questo viaggio nella vita dell´artista messicana. Bellissima anche l´idea di terminare con la proiezione di fotografie che costituiscono una biografia visiva di Frida, accompagnata dalle immagini a lato tratte dal suo diario: un modo in piú per capire meglio il suo mondo interiore.
Per tutte le informazioni su come visitarla, basta recarsi al sito del Bozar (http://www.bozar.be/activity.php?id=9429).

Se poi avete un attimo di tempo, vi consiglio anche una capatina da Cook&Book, il mio negozio preferito di tutta la città: questa fantastica libreria/ristorante/bar si trova alla fermata della metro Roodebeek, copre l´intero piano terra della piazza ed è divisa in sezioni, ognuna arredata secondo uno stile particolare in base alla tematica dei libri presenti. Qui potrete bere un Kirr come aperitivo leggendo tranquillamente un libro, girare tra le diverse sale e perdervi tra le centinaia di libri presenti (particolarmente curata la sezione sui fumetti – ovviamente!). Molto carina la possibilità che viene data ai clienti di lasciare una recensione dei libri più amati: girovagando tra le sale, ne vedrete tantissime scritte su bigliettini posti all´interno dei libri!
Non mi resta che aggiungere: buon viaggio!

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Correggio, Mostra a Parma (20 settembre 2008 – 25 gennaio 2009)

Antonio Allegri (1489-1534) è meglio conosciuto come Correggio, nome della sua città natale. La sua formazione parte dall’Emilia per arrivare a Mantova, accanto all’ormai anziano Mantegna; la sua pittura è una meditazione su Leonardo, Raffaello, Mantegna e sull’arte centro-italiana, caratterizzata da fluidità narrativa, sfumato leonardesco, virtuosismi prospettici e morbido senso del colore.
La mostra monografica attualmente in corso a Parma tocca dapprima i quadri e i disegni: presente il celeberrimo ciclo dedicato agli Amori di Giove, realizzato per Federico Gonzaga (Giove ed Io, 1531, Kunsthistorisches Museum di Vienna, è qualcosa di spettacolare visto dal vivo, a metà tra una sensuale resa naturalistica e trasfigurazione poetica), la Madonna di San Gerolamo e quella della scodella, tanto per citarne alcuni. 


Ma la mostra coinvolge anche le opere ad affresco che Correggio ha realizzato a Parma: la Camera della Badessa nel convento di San Paolo (1518), la cupola di San Giovanni Evangelista (1520-23) e l’Assunzione nella cupola del Duomo (1526-30). La possibilità di vedere gli affreschi delle due cupole dall’alto di un ponteggio è un’esperienza veramente emozionante, unica, che merita di essere provata prima che questa mostra finisca. Presupposti per lo sviluppo della successiva pittura barocca, Correggio realizza questi capolavori che per al loro monumentalità e cromatismo non possono fare altro che lasciare tutti a bocca aperta.

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